Bright (2017)

In una Los Angeles del presente alternativo vivono fianco a fianco uomini, orchi, elfi, fatine, centauri e altra roba varia direttamente o indirettamente proveniente dal mondo fantasy…

Mi correggo: in una Los Angeles alternativa uomini, orchi, elfi, fatine, centauri e altra roba varia direttamente o indirettamente proveniente dal mondo fantasy NON vivono fianco a fianco ma in segregazione economica perché lo sceneggiatore Max Landis voleva metterci una spruzzata di commento socio-politico evidenziando le divisioni esistenti nella società americana tramite un prodotto cinematografico rivolto ad un pubblico dal quoziente intellettivo medio sperando probabilmente di riuscire ad infilare qualche nozione un po’ più alta in maniera più o meno subliminale, fallendo miseramente nel processo.

In questo marasma d’informazioni la cosa che però nessuno deve perdere d’occhio è la faccia di Will Smith mentre cerca di fermare le forze del male dall’impossessarsi di una bacchetta magica dall’immenso potere mentre mezza Los Angeles gli corre appresso con la stessa intenzione, ma diverse ragioni: chi per diventare ricco, chi per alzarsi dalla sedia a rotelle e chi per risanare il bilancio di Roma e ricoprire tutte le buche stradali lasciate dalle precedenti amministrazioni capitoline.

Bright (2017)

Simpatica rivisitazione delle pellicole “buddy cop” che negli ultimi tempi hanno un po’ lasciato il passo a roba meno esplicitamente realistica visto che la polizia vive oramai da qualche tempo la strana dicotomia d’essere allo stesso tempo incredibilmente odiata per le continue repressioni delle minoranze social-economiche e spaventosamente elogiata dall’elite al comando per i continui servigi che rende, più o meno consapevolmente, al consolidamento dello status quo.

Questo film invece riesce solamente a consolidare la mia proverbiale paura per quei film che partono bene e che poi finiscono inesorabilmente per deludermi a metà strada.

Pazienza, tanto il mondo è fatto a scale: c’è chi scende e c’è chi te lo mette al culo.

VOTO:
3 strade con le buche (a New York)

Bright (2017) voto

Titolo bulgaro: Ярко
Regia: David Ayer
Anno: 2017
Durata: 117 minuti

LA 92 (2017)

Il 3 marzo del 1991 il cittadino afro-americano Rodney King è stato fermato dalla polizia di Los Angeles per eccesso di velocità, è stato fatto scendere con forza dalla macchina che stava guidando sotto effetto di alcolici ed è stato pestato fino a fargli perdere la ragione riducendolo ad un’enorme massa umana strisciante il terreno.

Per questo spudorato crimine, 4 poliziotti sono stati portati in tribunale ma nessuno di loro è stato condannato perché il loro comportamento è stato ritenuto nei limiti della legge; come dichiarato da uno di loro, a volte la polizia ci va giù duro, dispiace ma è così che funziona.

Schifati dal verdetto finale e da centinaia d’anni di vessazioni, migliaia di afro-americani si sono riversati nelle strade e hanno messo a ferro e fuoco la città; chi prendendosela con le autorità, chi prendendo a sassate qualunque bianco passasse al tiro e chi (molti) assaltando negozi e attività, prima svuotandoli di qualunque cosa capitasse sotto mano e finendo poi per dare fuoco al tutto.

Un casino che è durato qualche giorno e che ha dimostrato, se mai ce ne fosse stato bisogno, quanto la società americana sia divisa e sull’orlo di una crisi di nervi e come l’essere umano sia capace di qualunque cosa se spinto oltre i suoi limiti di sopportazione.

LA 92 (2017)

Avvincente documentario che ripercorre le vicende storico-sociali che hanno portato alle famose rivolte di Los Angeles del 1992 facendo al contempo un parallelo con un’altra rivolta avvenuta sempre a Los Angeles nel 1965 a seguito di un episodio molto simile a quello di Rodney King.
E lo fa privando lo spettatore del classico commento, ma lasciando lavorare le stupefacenti immagini provenienti da centinaia di fonti, dal telegiornale al cittadino comune armato di telecamera, riuscendo in molti casi a dare addirittura campi e controcampi di quelle scene di violenza diffusa.

Passato il chiaro commento sulla mano pesante della polizia, quello che emerge è anche e soprattutto un monito sul pericolo di future rivolte tra le minoranze americane e tra queste e l’elite dominante se la società americana (come anche il resto del mondo) non la smette di affamare e sottomettere una sezione demografica per arricchirne un’altra.

VOTO:
4 elite

LA 92 (2017) voto

Titolo originale: LA 92
Regia: Dan Lindsay e TJ Martin
Anno: 2017
Durata: 116 minuti

Pomodori verdi fritti alla fermata del treno (1991)

La ribelle Imogene “Idgie” Threadgoode è una ragazza un po’ molto maschiaccio che proprio non ce la fa a conformarsi ai modi di vivere degli americani di una piccola cittadina del sud degli Stati Uniti degli anni ’30 del secolo scorso e passa quindi il tempo a pescare, disertare la chiesa, bere, giocare a poker e a fare amicizia con i neri.

Il fatto invece che vesta come un uomo e non dia segno di apprezzamento verso i maschi non insospettisce nessuno sulle sue inclinazioni sessuali; neppure quando finisce a gestire un bar con la sua “amica” Ruth Jamison, scappata col figlioletto dal violento marito ku klux klanista col mento sfuggente che tu non gli daresti 2 euro e invece va giù duro con chi pesa la metà di lui.

Pomodori verdi fritti alla fermata del treno (1991)
la pesto perché ha il mento più maschio del mio, hai qualcosa in contrario?

Lunghissima e ben realizzata storia, sia come durata cinematografica che narrativa, tutta incentrata sulla figura femminile; dall’infanzia alla vecchiaia passando per i grandi amori, i matrimoni a tavolino e la famigerata menopausa.

Anche se molti hanno criticato il film per aver diluito la storia lesbica tra due delle quattro protagoniste al punto che molti spettatori neanche se ne rendono conto (tipo me quando lo vidi da ragazzino), bisogna dire che il messaggio di affermazione personale contro un sistema bigotto e razzista funziona bene, anche per il suo essere semplice (senza essere semplicistico).

Nota: questo film passa il test Bechdel.

VOTO:
4 Alison Bechdel e mezza

Pomodori verdi fritti alla fermata del treno (1991) voto

Titolo originale: Fried Green Tomatoes
Regia: Jon Avnet
Anno: 1991
Durata: 130 minuti

Holy Hell (2016)

Will Allen è un americano che nel 1985, all’età di 22 anni, ha lasciato la famiglia perché non accettava la sua omosessualità andando quindi a finire dentro un gruppo di persone emotivamente squilibrate devote di un certo Michel Rostand, un leader spirituale fantasticamente assurdo col suo corpo depilato messo in evidenza da scintillanti slip da mare e una calvizie incipiente che maldestramente cercava di nascondere con bei riporti incrociati da far invidia a Donald Trump.

Assieme a Will, rinominato Francesco da Michel (o Andreas o Reyji, a seconda dell’identità che ha assunto nel corso degli anni per sfuggire alle autorità e ad un generale senso di persecuzione), c’erano parecchi discepoli tutti accomunati da una voglia d’amore e appartenenza che la società consumista e individualista americana, al suo massimo splendore durante quei feroci anni ’80, non riusciva a dare loro.

Questo documentario, realizzato e narrato da Will stesso, cerca di ricostruire i 22 anni passati a servire un uomo chiaramente affetto da narcisismo psicologico, una sessualità predatoria e una personalità manipolatrice che ha trovato il lavoro della sua vita: capo religioso.

Holy Hell (2016)

Viaggio socio-psicologico dentro una delle tante comunità spirituali che hanno popolato questo granello di sabbia alla deriva nell’universo sul quale forme di vita chiamate esseri umani cercano disperatamente di dare un senso alla loro breve esistenza per allontanare il pensiero della loro inevitabile morte.

Quest’interessantissimo documentario, costruito attorno a 35 ore di materiale dell’epoca che Will è riuscito a tenere prima di allontanarsi dal gruppo e a toccanti interviste ad alcuni dei discepoli che hanno abbandonato Michel-Andreas-Reyji (nato Jaime Gomez, attore messicano fallito che sul suo curriculum può vantare un’apparizione di 2 secondi in Rosemary’s Baby… film su un gruppo di pazzi satanisti, ironia delle ironie), è anche e soprattutto una disamina del potere e del pericolo dei disturbi psicologici co-dipendenti.
Perché, come si dice sempre, non esiste un carnefice senza una vittima e quindi non sarebbe potuto esistere un culto basato su uomo di dubbio valore morale alto 1 metro e 65 senza che ci fosse stata una schiera di devoti alla disperata ricerca di una figura paterna attorno alla quale radunarsi come bambini abbandonati da un sistema sociale che ha deciso di mettere come scopo ultimo la realizzazione individuale invece della felicità collettiva, cosa abbastanza assurda visto che fino a prova contraria l’essere umano è un animale gregario e di gruppo che soffre profondamente se lasciato da solo.

Se un insegnamento va tratto da esperienze assurde come questa è che tutti noi dobbiamo stare all’erta dal pericolo dell’attrattiva della de-responsabilizzazione e dell’abbandono al primo idiota che sputa banali frasi generaliste promettendo salvezza eterna; sia questo il capo di una setta religiosa, un partito politico o un gruppo di escursionisti di montagna.
E’ faticoso, certo, ma prima di batter cassa si deve crescere e imparare a stare in equilibrio per poi confrontarsi con il prossimo e fare di questo mondo, un posto migliore.
Per tutti.

VOTO:
4 Rosemary

Holy Hell (2016) voto

Titolo russo: Святой ад
Regia: Will Francesco Allen
Anno: 2016
Durata: 100 minuti

A spasso con Daisy (1989)

Daisy Werthan è una ricca ebrea americana con interessi economici nell’industria del tessile (come da tradizione religiosa) che sta diventando anziana e quindi impossibilitata ad andarsene in giro con la sua Chrysler Windsor 1946 per le desolate strade di Atlanta.

Il figlio, uomo maturo e sposato ma per sempre succube della madre (come da tradizione religiosa), decide di assumere un autista per scorrazzarla in giro senza il timore che lei un giorno o l’altro finisca in un burrone.

Hoke Colburn, questo il nome dell’anziano autista nero che Boolie Werthan, questo il nome dell’uomo maturo eterno succube, dovrà riuscire, grazie al suo buon spirito e alla faccia di bronzo che si ritrova, a vincere la ritrosia dell’anziana ebrea ad aprirsi al confronto e a mettersi in gioco (come da tradizione religiosa).

A spasso con Daisy (1989)

Commedia a sfondo sociale o ricostruzione storica sociale con spruzzatina di commedia, questo film è indubbiamente godibile solo ed unicamente ad un pubblico maturo; sia per l’esclusiva presenza di personaggi sopra i 50 e sia per un gusto molto leggero e lento di raccontare le vicende di un’America che cambia, da paese latifondista intrinsecamente razzista e profondamente segregato a potenza economico-militare globale inconsciamente razzista e mediamente segregata.

Driving with Daisy è anche e soprattuto un film che è stato in parte sopravvalutato in patria dalla critica e dall’Academy, nonostante resti un’ottima pellicola con delle apprezzabili interpretazioni ed una buona piccola storia da raccontare, perché è uno dei pochissimi film che rende protagonista l’archetipo per eccellenza nella mentalità dell’ebreo americano (figura sovrapponibile ai membri dell’Academy), ovvero la madre ebrea; essere geloso, vendicativo e dispotico al quale comunque si obbedisce (come al geloso, vendicativo e dispotico dio ebraico Yahweh).
Indicativa di questa chiave di lettura è stata la vittoria dell’Oscar come miglior film mentre al regista non è andata neanche una nomination, a ribadire quindi come sia stato il contenuto ad aver impressionato l’Academy e non la maestria.

In ultimo mi piace ricordare altri nomi con cui il geloso, vendicativo e dispotico dio ebraico è conosciuto:
YHWH, El Eloah, Elohim, Elohai, El Shaddai, Tzevaot, Jah, Adonai, Adoshem, Baal, Ehyeh asher ehyeh, Elah, YMCA, El Roi, Elyon, Hashem Kel Olam, HaShem, Shalom e Shekhinah.

VOTO:
3 YMCA e mezzo

A spasso con Daisy (1989) voto

Titolo originale: Driving Miss Daisy
Regia: Bruce Beresford
Anno: 1989
Durata: 99 minuti

Un sogno chiamato Florida (2017)

Ai margini di quello che un tempo fu chiamato The Florida Project, ovvero un piccolo prototipo di comunità volta a sperimentare un sistema di vita futuristico presto riconvertito in classico parco di divertimenti a seguito della morte dell’alcolista e semi-fascista fondatore Walt Disney e quindi conosciuta oggi come Walt Disney World, vive l’emarginata e bistrattata popolazione tagliata fuori dai giochi di potere di quel “Sistema America” ampiamente amato dai fascio-liberali come Walt Disney.

Una serie infinita di sfaccettature d’umanità che si dipana fragilmente ai margini di un’esistenza crudele e che viene perentoriamente schiacciata sotto una massa informe d’ingiustificate accuse di pelandronite volte solamente a nascondere e ribaltare il tavolo accusatorio dai padroni ai proletari i quali da sempre vengono dileggiati anche e soprattutto nella loro unica e fondamentale cifra identificativa, ovvero i figli a cui non riescono a provvedere a sufficienza, non per mancanza d’amore ma per mancanza di solidarietà.

E in questo film abbiamo infatti una giovane madre single dai modi sgarbati, dalla natura lasciva e dalla cultura raso-terra che è riuscita ad affermare se stessa unicamente coi suoi vistosi tatuaggi e (ahimè) scaricando al mondo una bambina che ama profondamente perché è l’unica amica che ha.
Una bambina, Moonee, dalla vivacità sorprendente e dalla sfacciataggine ancora più assurda che passa le calde giornate estive bighellondando assieme ad altri indomiti pargoli dentro e fuori il motel per poveracci dove risiedono chiamato ironicamente Magic Kingdom, come il parco centrale a Disney World.
Un’assonanza, questa tra il mondo magico e fiabesco della multinazionale americana e la dura realtà del loro quotidiano, che si ripercuote per tutto il film: Moonee quindi visita le stanze abbandonate di un motel nelle vicinanze come fosse la casa dei fantasmi o va a fare una passeggiata tra le mucche come si trovasse ad un safari in Animal Kingdom, tutto ciò passando davanti coloratissimi e cartooneschi negozi che risultano la copia saturata di quelli presenti dentro il famoso parco di divertimenti.

E sotto quest’ottica di realtà speculare va chiaramente vissuto lo stilisticamente stridente finale, primo ed ultimo assaggio di un mondo visto con gli occhi dei bambini, poveri.

Un sogno chiamato Florida (2017)

C’è poco da girarci attorno: questo film è un capolavoro neorealista visto con uno sguardo indulgente e compassionevole, senza per questo essere pietistico o assolutorio; uno sguardo che poi è perfettamente rispecchiato nel bel personaggio guida intepretato da Willem Dafoe.

Come da tradizione neorealista, gli attori  (molti dei quali presi dalla strada) si esprimono con una naturalezza e una capacità scenica da far invidia ai pastrocchioni hollywoodiani tanto elogiati da pubblico e critica e conducono agilmente per mano lo spettatore dentro una storia appassionante e a tratti struggente.
Qui non c’è spazio per metodi stanislavski o insegnanti d’accento, qui non c’è Luca Marinelli che fa il romanaccio accentuando l’accento ‘ci sua, qui non c’è niente dell’irrealtà della macchina cinematografica, semplicemente perché non serve; qui invece siamo di fronte alla dura realtà del sogno americano infranto contro il muro dell’individualismo indifferente sopra la cui carcassa scintillante danzano e giocano i figli dei proletari attirati dai colori sgargianti della carrozzeria distrutta.

E allo stesso tempo la pellicola straborda di coloratissime e deformate inquadrature dal basso verso l’alto che rispecchiano pienamente la visione che un bambino avrebbe di un’estate nella florida Florida; un’estate che purtroppo la piccola Moonee non dimenticarà facilmente.

Il cinema nostrano ha prodotto qualcosa di simile qualche tempo fa: La pivellina, non male.

VOTO:
4 Stanislavski e mezzo

Un sogno chiamato Florida (2017) voto

Titolo originale: The Florida Project
Regia: Sean Baker
Anno: 2017
Durata: 111 minuti

I tre amigos! (1986)

Tre pessimi attori del cinema muto hollywoodiano vengono licenziati in tronco e si ritrovano per strada (in mutande) mentre in Messico un piccolo villaggio chiamato Santo Poco viene continuamente razziato dalla banda di malviventi facenti capo al temuto El Guapo.

I destini di queste due realtà così diverse si incroceranno quando una giovane del villaggio, vedendo un loro film e credendoli eroi reali, invierà loro un telegramma per invitarli a risolvere il problema dei malviventi di cui sopra, un telegramma che i tre dementi interpreteranno (male) come un invito a fare una delle loro penose performance.

Guai dei qui pro quo a seguire.

I tre amigos! (1986)

Se vi siete chiesti come sia possibile ricavare un buon film da una tale premessa da teatrino ambulante, siete sulla buona strada.

Tralasciando tutte le angoscianti scenette semi-razziste stracolme di stereotipi, la cosa che più salta all’occhio è la quasi totale mancanza di comicità; un’evidentemente fiacca seria di battute e situazioni a volte ridicole a volte noiose non possono e non dovrebbero mai costituire l’ossatura principale di una qualsiasi narrazione.

“Dulcis in fundo”, le cose più divertenti sono anche quelle che forse più passano inosservate ad un pubblico generalista: la loro inspiegabile invisibilità da fermi quando entrano alla base de El Guapo e l’assurdità del cespuglio canterino che farnetica allegramente in sottofondo mentre i tre discutono il da farsi fanno parte di un gusto dell’assurdo che ha pochi estimatori, purtroppo.

VOTO:
2 dulcis in fundo

I tre amigos! (1986) voto

Titolo originale: ¡Three Amigos!
Regia: John Landis
Anno: 1986
Durata: 104 minuti

La forma dell’acqua (2017)

I ruggenti anni ’60 erano anni durante i quali valeva la pena essere un uomo bianco americano.

Donne, handicappati, negri, froci e creature anfibie erano relegate agli angoli della società civile in posizioni di subalternità completa e se provavano a ribellarsi era giù di bastonate sui denti rotti e spezzati maledetti parassiti della società quant’è vero iddio vi faccio il culo e state zitti mentre l’uomo bianco parla.

Natura dei sentimenti, ordine costituito ed accettazione dell’altro sono importanti quesiti che la pellicola pone al suo pubblico; ma la domanda principale resta una e una sola: quanto in basso sei capace di spingerti pur di trovare qualcuno con cui scopare?

La forma dell'acqua (2017)

Splendida favola per bambini e adolescenti (che non dispiacerà ad un pubblico adulto) tutta incentrata sul diverso e sulla sua inclusione, sia da parte della maggioranza e sia (soprattutto) da parte della minoranza stessa, con evidenti ricadute sull’accettazione di sé stessi.
Il tutto raccontato non attraverso i soliti occhi dell’elite di comando tipo scienziati e militari, ma prendendo il punto di vista di quella maggioranza silenziosa che con sudore e con dolore manda avanti le nostre civiltà post-industriali, i proletari senza famiglia e senza figli.

La messa in scena di un mondo in parte scomparso fatto di casette a schiera con la macchina parcheggiata sul vialetto, mogli logorroiche ed ossessive compulsive, ristoranti per soli bianchi eterosessuali, basi militari segrete sotterranee e spie russe coi capelli a spazzola è assolutamente impeccabile.
E sbaglia chi evidenzia l’evidente stereotipia di una donna delle pulizie nera grassa e chiaccherona o di un vecchio frocio col toupet in testa e 28 gatti per casa perché non sono altro che l’esplicitazione della natura favolistica del progetto.

In ultimo, due parole sui sottotesti narrativi: qualcuno ha ipotizzato che la muta protagonista sia in realtà (almeno parzialmente) anfibia essa stessa, e questo giustificherebbe il finale; io invece propongo una teoria un po’ più scomoda.

Come il mostro si è cibato del gatto del vecchio frocione, anche i genitori della muta sono stati uccisi/fagocitati dallo stesso mentre la piccola si è salvata riportando solo superficiali ferite al collo (similarmente al colonnello cattivone Richard Strickland).
Questo andrebbe a delineare una morale molto più adulta (e un pizzico socialmente pericolosa) ovvero che nessuno è totalmente buono o cattivo e la lezione della vita è imparare ad abbbracciare tutto il creato per quello che è, anche quello che consideri tua antitesi; perché, come lucidamente esprime il vecchio dopo essere stato fugacemente attaccato dalla creatura, il loro mostruoso amico è una bestia selvatica, non sa far altro, non si può cambiare la sua natura… dichiarando implicitamente che o la si accetta o la si rigetta totalmente, non ci sono mezze misure.

VOTO:
5 mostri

La forma dell'acqua (2017)

Titolo originale: The Shape of Water
Regia: Guillermo del Toro
Anno: 2017
Durata: 123 minuti

Antwone Fisher (2002)

Se nasci nero, la vita è dura.
Se nasci nero e povero, la vita è ancora più dura.
Se nasci nero, povero e circondato da aguzzini che ti rendono la vita impossibile, la vita è dura come la pietra del San Michele.

Antwone Fisher, americano dai tristissimi natali, ha vissuto tutto questo (e oltre) e nonostante ciò è riuscito a trovare la sua strada: prima arruolandosi nei marines e poi finendo a fare la guardia giurata negli studi della Sony Pictures dove la sua straordinaria e infelice biografia orale, passando di bocca in bocca, è finita alle orecchie di produttori e sceneggiatori che l’hanno aiutato a portarla sul grande schermo con un film che condensa molti eventi e molte epoche attorno al pilastro narrativo centrale delle sue visite psichiatriche col tenente comandante dottor Jerome Davenport, con il quale riuscirà a scavare al fondo del suo temperamento fumantino.

Antwone Fisher (2002)

Bellissimo film, sotto tutti i punti di vista.

La difficile storia di un poveraccio (chiaramente un pochino romanzata nella messa in scena, ma assolutamente veritiera nei fatti) riesce nella difficile impresa di arrivare sullo schermo senza risultare svergognatamente smielata e nel metre ci ficca pure (purtroppo un po’ alla leggera) una pinnata di sguiscio sulla piscologia della schiavitù che, passata dai padroni agli schiavi e da questi ai lori figli, ha percolato, con la sua caratteristica violenza ed oppressione del più debole, molti aspetti delle comunità afro-americane le quali oggi vengono additate per il loro alto indice di criminalità senza tener conto dei molteplici fattori socio-economici che l’hanno portata ad essere così.

Primo ruolo sul grande schermo per il bravissimo attore protagonista, prima regia per Denzel Washington che porta a casa un ottimo risultato ed innumerevole apparizione per il mignolo stortarello di Denzel.

VOTO:
5 mignoli stortarelli

Antwone Fisher (2002) voto

Titolo originale: Antwone Fisher
Regia: Denzel Washington
Anno: 2002
Durata: 120 minuti

Il prezzo della libertà (1999)

Sono gli anni ’30 americani, l’economia cerca di riprendere moto dopo la grande depressione e uno dei progetti federali di stampo socialista per risanare il mercato del lavoro è il Federal Theatre Project, un fondo di finanziamento per i lavoratori dell’industria dell’intrattenimento tradizionale che intende da un lato dare opportunità di impiego a quei cittadini che sono stati colpiti più duramente dalla recessione e dall’altro portare la gente comune a teatro, per la prima volta in vita loro.

Una delle opere teatrali finanziate dal progetto federale che più si distinguono per il loro sottotesto sedizioso è The Cradle Will Rock; una storia con dentro lavoratori, capitalisti, preti, sindacalisti, sfruttamento e ideali che verrà censurata dalla commissione parlamentare contro le attività anti-americane assieme a Revolt of the Beavers, la storia fanciullesca di una cittadina di castori lavoratori sfruttati che si rivoltano all’opulento castoro capitalista Chief.

In questo clima di forte tensione sociale e rivendicazioni lavorative, le idee socialiste e comuniste si fanno strada tra intellettuali e non caricando la società americana di una spinta rivoluzionaria che alla fine ha riportato più sconfitte che vittorie.

Il prezzo della libertà (1999)

Grande rivisitazione di un’epoca lontana nel tempo ma vicina nel contenuto, La culla dondolerà (lungi dall’essere un richiamo a La culla cadrà di Sloth) vuole ricordarci, con tutto il trambusto possibile ed immaginabile che mette in scena e che purtroppo allontana il pubblico medio troppo abituato ad un intrattenimento lineare e digeribile, la più grande verità possibile della storia umana: non si può fermare il cambiamento perché, come diceva il dottor Ian Malcolm, la vita trova sempre una strada.

Tra le innumerevoli storie di miseria e nobiltà che vengono proposte in un grande calderone volto a suscitare un sentimento più che una riflessione storiografica (ed è proprio qui che molti critici falliscono nell’interpretare correttamente un’opera come questa), vale la pena menzionare quella del ventriloquo Tommy Crickshaw, un intrattenitore che oramai vive una scissione completa dei suoi ideali tra sé e il pupazzo pel di carota che si porta sempre dietro e al quale mette in bocca le idee più scomode giocando ad una contrapposizione fittizia che trova il suo più alto indice di pietas nel canto dell’Internazionale di fronte ad uno sparuto pubblico disattento.

Molto bello, ma non per tutti, purtroppo.

VOTO:
4 Ian Malcolm

Il prezzo della libertà (1999) voto

Titolo originale: Cradle Will Rock
Regia: Tim Robbins
Anno: 1999
Durata: 132 minuti

Black Friday (2004)

Nel 1993 a Mumbai (allora ancora chiamata Bombay) ci furono violenti attacchi terroristici (perpetrati da alcuni mussulmani) che devastarono in ordine sparso la Borsa nazionale, un importante mercato, la sede di un partito fascista-xenofobo-fondamentalista-hindu et vari ed eventuali.
Un totale di 293 persone morirono e quasi 1400 furono i feriti in quello che è comunemente ricordato come il peggior drama della storia bombaiana.

Black Friday (2004)

Materiale per fare un film quindi ce n’era da vendere, ma Anurag Kashayap, la cosiddetta stella nascente (o nata) del nuovo cinema indiano ne ha tirato fuori un pippone incredibile, una cosa noiosa e verbosa lunga 3 ore che cerca di analizzare tutti i dettagli dell’operazione finendo inevitabilmente per impelagarsi in un mare di non necessarie informazioni.

I personaggi sono almeno una trentita ed il signor Kashayap non è Altman; il risultato quindi è una generale confusione nella quale nessuno dei personaggi viene analizzato in profondità e contestualizzato propriamente.
Un’operazione encomiabile per lo sforzo, ma povera dal punto di vista del coinvolgimento emotivo/intellettuale con lo spettatore medio che spesso si trova a sbuffare tra una scena completamente virata in blu (senza alcun motivo) e quella di un interrogatorio totalmente in rosso, perché rosso è il colore del sangue…
grazie Anurag per questo simbolismo spiccio e dozzinale!

L’unica cosa buona del film è che si mette bene in luce quanto questi attacchi terroristici fossero in realtà la reazione alla demolizione (totalmente ingiustificata) di una moschea indiana di 400 anni per mano di stupidi fondamentalisti hindu nel 1992, l’anno prima della tragedia in questione.
Purtroppo però gli intenti non possono salvare l’opera e questo film sull’odio e la violenza (si cita la frase di Gandhi “occhio per occhio rende il mondo cieco”) è decisamente uno dei meno ispirati che io abbia mai visto.

PS: per favore Bollywood, potresti sfornare un, dico uno, film buono? Uno buono da vincere un festival? Non dico 4 festival, o 3 e nemmeno 2, uno. Grazie.

Titolo originale: Black Friday
Regia: Anurag Kashyap
Anno: 2004
Durata: 143 minuti

Love, Sex Aur Dhokha (2010)

Amore, Sesso e Tradimento è il titolo di questo interessante film che, sotto un velo di spensierata scopiazzatura di tutto ciò che è venuto dopo The Blair Witch Project, tratta 3 temi molto importanti (e molto sottaciuti ) della nuova India turbo-fascio-capitalista.

Il film si apre con un finto promo della finta casa di distribuzione del film stesso che, tra roboanti effetti video stile MTV anni ’80 ed errori grammaticali, prepara il pubblico alla visione di 3 storie vere catturate da telecamere digitali all’insaputa, e non, delle persone riprese.

Il voyerismo, si sa, è vecchio come il mondo ed esempi di tale genere si trovano ovunque, in occidente come in oriente (basti pensare alle miniature Mogul che ritraggono principi e principesse nei loro giardini privati mentre si intrattengono con concubine, poeti, cantori e quant’altro).
La cosa interessante di Love Sex aur Dhokha è invece il suo dito puntato contro il sistema dei media indiani, sempre più propensi a sbattere in prima pagina scandali o presupposti scandali, meglio ancora se dietro ci sono storie di amore, sesso e tradimento (a cui il titolo fa riferimento).

Il film quindi da una parte intrattiene il suo pubblico dandogli (nonostante i tanti problemi con la censura e i tagli) ciò che promette fin dal titolo e dall’altro lo colpevolizza proprio per questo.

Nel frammentre le storie parlano di un’India che (come al solito) non finisce in prima pagina, o se ci finisce lo fa alla “Novella 2000”; un’India fatta di matrimoni inter-caste, violenza, ignoranza, sopraffazione delle donne, sistema patriarcale, televisioni corrotte, giornalisti venduti, prostituzione sui set di Bollywood e chi più ne ha più ne metta.

Il regista Dibakar Banerjee invece cerca, per quanto possibile in un’India ancora molto arretrata culturalmente, di fermarsi a riflettere un minuto su quello che ci accade attorno senza che le luci dei riflettori si accendano a dargli la giusta risonanza.
Come se non bastasse poi c’è il risvolto tecnico-narrativo per cui le tre storie si svolgono (quasi) contemporaneamente e quindi i personaggi di una confluiscono nelle altre dando vita ad un tarantiano (per i più giovani) Kubrickiano (per i più vecchi) ripetersi di eventi sotto un nuovo punto di vista (quello dei nuovi personaggi che assistono alle vicende di quelli del precedente episodio).

Niente male insomma.

Titolo originale: LSD: Love, Sex Aur Dhokha
Regia: Dibakar Banerjee
Anno: 2010
Durata: 155 minuti